제23회 황순칠전 "운주사 천불천탑 와불이 일어나다"
서울 인사동 인사아트센터 3층 G&J갤러리,
2025년 5월 21일부터 27일까지
황순칠 화백 작품 해설
미완의 아름다움을 깨닫게 하는 천불천탑
정찬주(소설가)
개인 화실에서 화가 자신이 피아노를 치는 송년음악회 및 서예전을 갖는 예인(藝人)이 있다. 피아노 연주는 재야 선생에게 기초를 단단하게 익힌 뒤 독학으로 갈고닦은 솜씨이다. 손가락이 유난히 긴 덕분일까. 그는 피아노 건반을 힘있게 치고, 붓놀림이 대담하고 능숙하다. 특히 서예는 고등학교 때 기본을 확실하게 다진 후 안진경체, 구양순체, 왕희지체, 소동파체를 혼자 힘으로 독파했다. 한때 김충현 서체를 가까이했고 예서와 전서, 행초서, 초서를 많이 썼다. 이와 같은 예인이 바로 황순칠 화백이다.
황순칠 화백은 말한다.
“서예는 매일 매일 나의 스승이다. 마음을 추스르게 하며 담담한 가운데 나를 선(禪)과 명상에 이르게 하고 무아(無我)에 들게 한다. 서예는 내 그림의 바탕이요 철학이다. 내 예술의 한 장르이다. 그러므로 나는 서예를 하고 나서 그림을 그린다(2024.12.26.).”
서예와 그림의 상관성을 화가 자신이 고백하고 있다는 점에서 시사하는 바가 크다. 남송의 소동파는 왕유(王維)의 그림과 시를 보고 다음과 같은 평을 남겼다.
‘시중유화(詩中有畵) 화중유시(畵中有詩)’
시 속에 그림이 있고 그림 속에 시가 있다는 뜻이다. 남종화를 감상할 때 지식인들이 인용하는 명언이다. 그런데 필자는 소동파의 위와 같은 구절을 황순칠 화백의 경우 이렇게 수정하고 싶다.
‘서예중유화(書藝中有畵) 화중유서예(畵中有書藝)’
서예 속에 그림이 있고 그림 속에 서예가 있다는 말이다. 황 화백이 고백하고 있듯 서예는 자기 그림의 철학이라 하고, 서예를 하고 난 뒤에 그림을 그린다고 하니 위와 같은 나의 문장이 결코 과장은 아닐 것이다. 그러나 필자는 화가가 어떤 대상을 그리는 것은 영감의 발현이거나 실상(實相)을 변주하는 작업이므로 황 화백에 있어서 서예와 그림의 상관성을 분명하고 정확하게 밝히지는 못할 듯하다. 어쩌면 그 일은 화가 자신만이 알고 있는 영혼의 영역이기 때문이다. 다만 붓의 터치와 붓놀림처럼 드러난 특징들은 누구라도 간파할 수 있지 않을까 싶다.
황 화백의 붓 터치와 붓놀림은 서예의 일필휘지(一筆揮之)처럼 거침없고 활달하다. 이는 서예 수련에서 비롯된 것이 틀림없다. 서예 기법 중 붓에 먹을 짙게 묻혀 속도로서 농담을 나타내는 초묵법(焦墨法)과 붓에 먹을 옅게 묻혀 메마르고 스산한 느낌을 주는 갈필법(渴筆法)이 있으며 황 화백 자신이 초서를 즐긴다며 이렇게 말한 적이 있다.
“초서는 아주 자유분방하고 마치 춤꾼이 아름답게 춤추듯이, 새가 하늘을 자유롭게 날 듯이, 물고기가 물 위로 튀어 오르듯이 환상적이고 극적이다.”
그림을 그리고 서예와 피아노 연주를 해왔던 것을 감안한다면 황 화백은 한국 화단(畫壇)에서는 드물게 서화락(書畵樂)을 연마한 실력을 갖추고 화업(畫業)에 전념해 온 아주 개성적인 작가라고 여겨진다.
더구나 황 화백은 허백련이 개원한 연진회 미술원에서 동양화를 배운 뒤 대학에 들어가 서양화를 익혔다. 그러니 그의 그림 속에는 동서양의 기법이 두루 섞이어 있다. 황 화백의 그림들은 1996년 서울 ‘공평아트센타’에서 전시한 <고인돌 마을> 시리즈 작품에서 서예의 갈필법을 연상케 하는 붓놀림으로 우리의 눈길을 사로잡았다. 또한 2003년 광주광역시의 ‘남도예술관’에서 가졌던 개인전에서도 확인된 바 있는데, 그때 백호(白乎)라는 아호(雅號)를 쓴 서예 작품들을 함께 전시했던 것이다.
초묵법의 획을 연상케 하는 <황소> 시리즈, 갈필법으로 질감을 드러낸 <고인돌 마을> 시리즈, <배꽃> 시리즈를 선보였으며, 같은 해(2003년)에 ‘광주신세계갤러리’에서는 <배꽃> 시리즈, <새> 시리즈, <산과 마을> 시리즈로 대상들이 색채에 의해 원심력으로 드러나는 작품들을 숨 고르기 하듯 황 화백만의 작품세계를 보여주기도 했다.
그러면서도 <배꽃> 시리즈 이후 그림에서 매화향이 날 것 같은 <고불매>, <화엄매>, <와룡매> 등을 끊임없이 그려왔던 것도 사실이다. 이러한 변화를 황순칠은 ‘현장작업 메모’에서 다음과 같이 밝히고 있는데 필자의 견해가 크게 빗나가지 않는 듯하다.
“나의 현장작업(現場作業)은 벌써 오랜 세월이 흘렀다. 80년대 <황소>, 90년대 <고인돌 마을>, 2000년대 <배꽃>, 그리고 근년에 <매화>와 <운주사 천불천탑>이 그렇다. 모두 현장작업이다.
* <황소> 작업을 위해서 새벽 3시에 집을 나서 전라남북도 유명 우시장을 찾아 스케치했다.
* 어머니의 땅을 그리기 위해 도시를 벗어나 전라도 땅을 돌아다녔다. 이때 고인돌 마을을 발견했다.
우리 민족성을 우직하고 끈기 있는 황소로, 고인돌 마을로 공동체 정신을, 배꽃은 백의민족 정신을 표현했다. 2012년부터 매화를 그렸다(2014.5.21. 새벽).”
황순칠 화백은 운주사 천불천탑을 그리게 된 동기를 역시 ‘현장작업 메모’에 밝히고 있다.
“2013년 3월 4일부터 4월 중순까지 담양 남면의 독수매(獨守梅)를 그리던 중 쉬는 시간에 불현듯 운주사 항아리탑이 떠올랐다. 전혀 생각지도 못한 항아리탑이 마음에 그려졌다. 우리네 조상들의 자식과 후손을 위한 기도와 염원을 생각하자 떠올랐던 것이다.”
이번, 2025년 5월 21부터 27일까지 서울 인사동 ‘광주전남갤러리’에서 전시하는 운주사 천불천탑 그림들은 서예의 갈필법을 연상케 했던 <고인돌 마을> 시리즈에서 크게 벗어나지 않는 것 같다. 일견 연장선상에서 좀 더 진화한 것처럼 보인다.
다만, 이번에 전시하는 작품들의 특징은 마치 토수(土手)가 미장하듯 나이프 기법을 대담하게 구사하여 오돌토돌한 돌의 질감을 이전의 <고인돌 마을>보다 한층 강조했고, 대상과 교감하는 황 화백의 철학을 구현한 것이 아닐까 싶다. 그는 운주사 돌부처와 탑을 그리고자 같은 그림을 5년 이상 작품의 완성도를 높이기 위해 수백 번 나이프로 붓놀림 하듯 그려냈다. 미적 성취감이야말로 작품의 완성도에 비례한다고 믿었기 때문이다. 물론 이 같은 불퇴전(不退轉)의 의지는 황 화백만의 태도는 아닐 것이다. 열정적인 화가들이 갖는 숨길 수 없는 태도이다.
그러나 경이롭게도 황 화백은 어느 순간에 의지를 불태우는 작위(作爲)를 버린다. 대신 명상에 든 무위(無爲) 상태에서 미완의 아름다움을 발견하고, 그것을 화폭에 담아내고 있다. 미완의 아름다움을 발견한 것은 완성의 문턱을 수없이 넘나들었던 화가에게만 주어지는 깨달음이 아닐까. 사실 이 세상의 온갖 존재들은 그것이 완성된 것이든, 미완성의 것이든 그 자체로서 아름다움을 갖는다고 봐야 옳다. 그런데 두 가지의 가치를 간파하는 불이(不二)의 자각(自覺)은 누구에게나 주어지는 깨달음은 아닐 것이다. 선승이 화두를 타파하는 것처럼 편견과 선입견, 기존의 통념을 다 비워내고서야 개안(開眼), 즉 눈이 떠지는 경지이기 때문이다.
황 화백이 운주사의 돌부처와 조우한 것은 적잖이 운명적이다. 2013년 봄 운주사에 들러 기도하듯 항아리탑을 수채화로 완성하고 나서 하나만 더 그리자고 갔을 때 목이 잘린 돌부처를 발견하고는 광주 5.18의 상처를 떠올리지 않을 수 없었던 것이다. 황 화백은 그 돌부처를 화폭에 담아내 5.18의 상처를 껴안으면서 스스로 위안을 받았다.
다시 황화백의 ‘현장작업 메모’를 보자.
“2013년 4월 14일 운주사를 찾아 항아리탑을 그리기 시작했다. 40호 종이에 목탄(木炭) 작업 후 물감으로 한 달 남짓 그려 수채화(水彩畵)로 완성했다. 기도하는 스님께서 저녁예불 때 작업 현장을 지나시다 ‘화가님의 정성(精誠)이 대단합니다. 저희들 기도도 모두 정성입니다.’라고 하였다.
두 번째 그림은 ‘목이 잘린 석불로 50호 캔버스에 유화(油畫) 작업이었다. 목 좌측 일부만 붙어 있는 불신(佛身)이었다. 수많은 천불(千佛) 중에 두 번째로 택한 것은 광주 5.18 때 민중학살과 우리의 역사 인식 때문이었다. 외침(外侵)과 풍상(風霜), 백성의 고난과 상처가 목이 끊어진 몸뚱아리에 있는 듯했던 것이다.
세 번째는 ’바보 석불(石佛)‘이었다. 바보는 바로 나였다. 우리들의 초상이었다. 얼굴이 찌그러지고 깨지고, 코는 흔적만 남아 이목구비가 뭉그러져 바보 석불이 되었다. 자신을 잘 지키지 못한 바보... 나를 그렸다.
네 번째 그림은 와불(臥佛)이었다. 가난하고 무지한 백성들의 간절한 염원을 담았다. 여러 번 산에 올라서 와불을 보며 생각했다. 이 큰 바윗덩어리 불상을 어떻게 세우려고 했을까? 그냥 지어낸 속설이겠지... 그런데 어느 날 또 산에 올라서 자세히 살펴보니 와불을 세우려 했던 게 사실이었다. 그 증거인 불두(佛頭)를 그렸다. (중략)
항아리탑 하나 그리고 마치려 했는데 하나둘 보이기 시작했다. 점점 갈수록 더 보였다. 운주사의 어느 것 하나 놓칠 수 없었다. 신기하게도 석불 석탑의 재질이 고인돌 마을 그림의 마띠에르와 비슷했다. 밝고 선명한 쑥색(연한 에메랄드색)과 적회갈색, 그리고 거친 화산 응회암석이 따듯하고 싫증나지 않았다. 천년전(千年前) 석불이 오늘 사람으로 나타났다. 석불이 사람이다(2014.5.21. 새벽).”
이렇게 미완의 인간적인 돌부처와 맺은 인연이 십여 년 이어졌고, 운주사 천불천탑을 그리는 작업은 숙명이 돼버렸다. 현장작업을 중시하는 황 화백은 가을이 되면 미친 듯이 운주사로 달려가서 삭풍이 매서운 겨울을 났다. 낙엽이 지는 무상(無常)의 가을부터 눈보라 치는 한겨울까지 돌부처와 황 화백은 한 몸, 동체(同體)가 되었던 것이다. 그래서인지 황 화백의 운주사 겨울 풍경 작품을 보고 있으면 눈보라가 그림 밖으로 튀어나와 휘몰아칠 것 같다.
이번에 전시하는 운주사 천불천탑 작품들은 모두 황 화백의 숙명적인 결과물들이다. 미완이어서 더 거룩하고 아름다운 운주사의 돌부처들은 황 화백을 블랙홀처럼 빨아들였음이 틀림없다. 운주사 경내에서 그려낸 <입석불> <와불>, <좌불>, <감실불>, <탑> 시리즈 등이 그것이다.
운주사를 한 번이라도 가본 사람은 실감할 터이다. 필자가 사는 이불재에서 운주사까지는 승용차로 20여 분 거리이다. 예전에는 늦가을에 가끔 가곤 했다. 수십 기의 탑과 불상이 서로 다른 표정을 짓고 있는 것이 시선을 끌었다. 세상에 태어난 사연이 다르니 모양새가 같을 리 없었다. 발 맡에서 뒹구는 낙엽 하나도 그 빛깔과 크기가 달랐다. 자연은 인간과 달리 복제를 허락하지 않고 모든 유무정물(有無情物)에게 개성을 준 것이다.
운주사 일주문 안쪽 오른편 산자락에 선 남루한 탑은 떠돌아다니는 방랑자 같았다. 마을사람들은 갓처럼 생긴 옥개석이 너덜너덜하다고 하여 ‘거지탑’이라고 불렀다. 미완의 탑이 분명했다. 그러나 운주사에서는 덜 다듬어진 탑과 불상들이 대접받고 있었다. 세상을 지탱하는 이치가 바로 그것이었다. 미완성이 있으니까 완성이 있을 터였다. 그런데도 사람들은 미완의 소중함을 모른 듯했다.
황 화백의 운주사 천불천탑 작품감상을 넘어 모든 이들에게 황 화백과 같은 ‘석불이 나다’라는 깨달음이 오기를 기대해 본다. 사실 세상 사람들 대부분 내면의 영혼 역시 상처투성이가 아닌가. 미완의 탑 그림을 보면 감상하는 이가 미완의 탑이 되고, 미완의 돌부처를 보면 미완의 돌부처가 되기를 바란다. 천불천탑 그림들이 인간적이고 아름답기 때문에 이질감이 전혀 들지 않고 편안하리라 믿는다. 황 화백의 운주사 돌부처를 무심코 보라. 돌부처가 바로 ‘나’이고, 선남선녀인 ‘우리’로 보일 것이다. 한국인의 정체성이 보일 터이다. 그렇다. 한국인의 정체성을 표현해낸 황 화백이야말로 남도에 사는 향토화가로서 세계성을 성취했다고 봐야 옳다. ‘가장 한국적인 것이 가장 세계적인 것이다.’라는 명제가 그 방증이다.
필자는 황 화백에게 인생 선배로서 고담(古潭)이란 호를 지어준 적이 있다. 황 화백은 몹시 쑥스러워했지만 70세 고희(古稀)를 넘긴 나이이므로 괜찮다고 권하니 받아들였다. 고희를 넘긴 황 화백의 작가정신이라면 잠시도 쉬지 않고 저돌적으로, 필사적으로 화업에 매달려 왔다는 점이리라. 1,000호 대작을 그릴 때 사다리 위에 올라가 작업하는 그의 모습을 본 적이 있는데, 그림보다 먼저 그의 열정적인 태도가 필자를 감동시키곤 했던 것이다. 가만히 생각해 보면 이제는 황 화백의 태도와 진심(眞心)에 하늘이 감동할 차례가 아닐까 싶다. 분명코 그러리라고 나는 확신한다. 누가 알아주건 말건 하늘이 알아주고 땅이 알아준다면 그는 선택받고 축복받은 예술가일 터이다.
Veco 황순칠(黃淳七, Soonchil Hwang)
1955 여수 생, Born in Yeosu.
1973 서예 입문, Enter into calligraphy.
1978 동양화 시작 의제 허백련의 연진미술원 1기(2년과정) 박행보 사사, Introduction to Oriental Painting.
1981 서양화 전환, Become a Western painter.
1985 조선대학교 미술대학 및 동대학원 졸업, Graduate School of Art, Chosun University.
1995 대한민국 미술대전 대상 (국전 대통령상)
Korea Art Exhibition Grand Prize (National Exhibition Presidential Award)
1995 목우회 신한 미술상, Mokwoohoe Shinhan Art Award
TV 미술관 경매전, TV Art Museum Auction Exhibition
2002 황순칠 고인돌마을 작품 고교 미술교과서에 등재.
Hwang Soon-chil “Goindol Village” Works Listed in High School Art Textbooks
개인전 Individual Exhibition
2025 G&J 갤러리, 인사아트센터, 서울 (G&J Gallery, Seoul)
2010 갤러리 몽마르트르 초대전, 부산 (Montmartre Gallery, Busan)
2008 리앤박 갤러리 초대전, 헤이리 (Lee&Park Gallery, Heyri Village in Paju)
2008 갤러리 몽마르트르 초대전, 부산 (Montmartre Gallery, Busan)
2007 두산아트센터 초대전, 대구 (Doosan Art Center, Daegu)
2006 금곡 숲속미술관 초대전, 장성 (Geumgok Gallery, Jangseong)
2005 대백 프라자 갤러리, 대구 (Debec Plaza Gallery, Daegu)
2004 갤러리 몽마르트르 초대전, 부산 (Montmartre Gallery, Busan)
2004 세종문화회관 미술관, 서울 (Sejong Center, Seoul)
2003 신세계 갤러리 초대전, 광주 (Shinsegae Gallery, Gwangju)
2003 서예와 그림展, 남도예술회관, 광주 (Namdo Art Center, Kwangju)
2002 경원아트홀 초대전, 전주 (Gyungwon Art Hall, Jeonju)
2000 현대아트 갤러리 초대전, 신촌점 서울 (Hyundae Art Gallery, Seoul)
1999 갤러리 사비나 초대전, 서울 (Savina Museum, Seoul)
1998 금호미술관 초대전, 서울 (Kumho Museum, Seoul)
1998 신세계 갤러리, 광주 (Shinsegae Gallery, Gwangju)
1996 고인돌 마을전, 공평아트센터, 서울 (Seoul Art Center Gongpyeong Gallery, Seoul)
1996 고인돌 마을전, 인재갤러리, 광주 (Injae Gallery, Gwangju)
1993 캠브리지 갤러리초대전, 광주 (Cambridge Gallery, Gwangju)
1992 누드와 풍경전, 궁동갤러리, 광주 (Gungdong Gallery, Gwangju)
1991 인재갤러리, 광주 (Injae Gallery, Gwangju)
1991 갤러리 한강, 서울 (Hangang Gallery, Seoul)
국제전 International Exhibition
1990 한국 현대회화전, 베를린 (Korean Contemporary Painting Exhibition, Berlin)
1996 서울 국제아트페어 (Seoul International Art Fair, Seoul)
1996 살롱 도똔느 특별전, 파리 (Salon D'Otonne Special Exhibition, Paris)
1996 국립현대미술관 대상 수상작가전 (NMCA Award-winning works, Seoul)
1997 광주비엔날레-청년정신전 (Gwangju Biennale, Gwangju)
1999 국립현대미술관 초대전 (Invitational Exhibition of NMCA, Seoul)
2000 쾰른 아트페어 현지참가, 독일 (Cologne Art Fair, Germany)
2000 국제화랑미술제, 서울 (International Painting and Art Festival, Seoul)
2005 한·러 아트페어, 모스코바 (Korea-Russia art fair, Moscow)
2005 인도 트리엔날레 (Indian Triennale, India)
2008 국제 화랑미술제, 부산 (International Painting and Art Festival, Busan)
2010 상해 국제예술박람회 (International Art Fair, Shanghai)
2014 청도 비엔날레, 중국 (Qingdao Biennale, China)
2017 동아시아 미술교류전, 광주 (East Asian Art Exchange Exhibition, Gwangju)
2018 한·중 교류전, 북경 (Korea-China Exchange Exhibition, Beijing)
2019 남·북 교류전, 홍천 (South-North Korea Exhibition, Hongcheon)
2022 한·베트남 수교 30주년 기념전, 광주
(30th Anniversary of Korea-Vietnam Diplomacy, Gwangju)
2024 한·중·일 국제교류전, 서울 (Korea-China-Japan International Exchange Exhibition, Seoul)
2025 한·중 미술 교류전, 중국 (Korea-China Art Exchange Exhibition, China)
단체전 Team Exhibition
2024 광주 미술상 30주년 기념 청류탁세전, 국립아시아문화전당, 광주
2023 하늘 위 파랑새전, 이안미술관, 목포
2023 古潭 황순칠 古梅展, 음악회, 황순칠갤러리
2022 한민족 미술교류전, 서울
2021 더욱 미술생활, G&J 갤러리 이전개관전, (광주시립·전남도립미술관) 서울
2020 역설과 반전展 전국교류전, 은암미술관, 광주
2019 갤러리 지평 개관기념전, 광주
2018 진경매화 - 화중유시 시중유화전, 광주시립미술관
2017 시민과 함께하는 眞景梅花전, 광주시립미술관
2016 제3회 황순칠기획 시민과 함께 매화 그리기 眞景梅花展, 화가와 시민, 학생 259명 참여,
주최 광주시립미술관
2015 광주시립미술관 기획, 北京 798-광주전, FORCE gallery, 북경
2015 광주 미술상 창립 20주년 기념전, 시립미술관 상록 전시관, 광주
2015 황순칠 기획 제2회 眞景梅花.畵中有詩. 詩中有畵전
(그림과 시낭송, piano연주), 북구청초대 향토음식 박물관, 광주
2014 청도 비엔날레, 중국
2014 황순칠 기획 제1회 眞景梅花전, 은암미술관, 광주
2014 꽃으로 보는 세상전, 무안 오승우 미술관, 전남
2014 Art Fun과 함께하는 불우이웃 돕기전, 갤러리리채, 광주
2013 한국미술 리필전, 서울시립미술관, 서울
2012 Korean Art Show, 브로드웨이, 뉴욕
2012 여수 EXPO 한·중·일 초대전, 예울마루, 여수
2012 광주 아트페어, 김대중 컨벤션센터, 광주
2012 제1회 전북 비엔날레, 한국소리 문화의 전당, 전주
2012 ART ASIA 2012 컬렉터가 선호하는 한국미술 인기작가 100인전, COEX, 서울
2011 한·중 미술교류 ‘管鮑之交’전, 은암미술관, 광주
2011 미술이 말하는 ECO 전, 무안 오승우 미술관, 전남
2010 엑스포와 미래를 함께 누림전, 상해미술관, 중국
2010 상해 국제예술박람회, 중국
2010 한국 화랑미술제, 백스코, 부산
2009 광주&이스탄불 현대미술교류전, 광주시립미술관
2008 한국 화랑미술제 - 갤러리몽마르트르, 벡스코, 부산
2008 국제 아트 페스티벌, 예울마루, 여수
2007 아시아 정신과 영혼展, 성남아트센터, 경기
2006 대한민국미술대전 대상수상작가 12인초대展, 두산아트센터, 대구
2006 투영-한국 당대예술전, 대만국립미술관 초대展, 대중, 대만
2005 제11회 인도트리엔날레 초대展, 뉴우델리, 인도
2005 한·러 아트페어 - 모스크바, 러시아
2005 대상(大賞)작가 3인 초대전, 정화랑. 서울
2005 세계 박물관 문화박람회전, 한국국제전시장, 고양시
2004 금호미술관 개관 15주년 기념초대展, 서울
2004 金剛山전-그룹 새벽의 금강산 답사 스케치, 자미갤러리, 광주
2003 우리시대 삶과 해 展, 이형옥 기획, 세종문화회관, 서울
2003 한국작가 100인 초대전, LA Hyun's Art Gallery, 미국
2002 흥겨운 우리놀이 展,갤러리 사비나, 서울
2002 그룹 새벽 -‘남북의 길전’- 국도1호선 목표에서 판문점까지, 공평 아트센터, 서울, 남도예술회관, 광주
2002 그림으로 부르는 노래들전, 고양시 꽃박람회전시관, 경기
2001 여름속의 겨울展, 대전 시립미술관, 대전
2001 조선대학교 개교55주년 기념 敎授作品전, 남도예술회관, 광주
2000 한국 화랑 미술제-이목화랑,예술의 전당 미술관, 서울
2000 제34회 쾰른 아트페어 ART COLOGNE, 쾰른, 독일
2000 움직이는 미술관, 한국의 자연과 인간전, 국립현대미술관, 서울
1999 움직이는 미술관 韓國의 山河展, 국립현대미술관, 서울
1999 한국의 길展, 예술의 전당, 서울
1999 아! 대한민국전, 갤러리상, 서울
1998 MANIF 4! 98 서울 국제 아트페어, 서울 예술의전당
1998 제4회 CAPPING전, 目墨미술관, 동경
1997 제2회 광주비엔날레 특별展-청년정신전, 교육홍보관, 광주
1997 전라남도 미술대전-역대 수상작가전, 남도예술회관, 광주
1997 유럽미술여행, 영국, 프랑스, 독일
1997 청담미술제, 갤러리 포커스, 서울
1997 大賞 수상작가 3인전, 갤러리 후정 개관기념, 서울
1997 유럽 미술 여행, 프랑스, 이탈리아, 벨지움
1997 ‘황소’전, 갤러리 사비나, 서울
1996 서울 국제 아트페어, KOEX, 갤러리 포커스, 서울
1996 살롱 도똔느 한국작가 특별초대展, 그랑팔레미술관, 파리
1996 대상 수상 작가展, 국립현대미술관
1996 색채의 마술사들-절제의 미학전, 갤러리 사비나, 서울
1995 대한민국 미술대전, 국립현대미술관, 서울
1995 선과 색(線과 色)전, 도올 아트타운, 서울
1994 동학농민혁명100주년 기념 미술제, 시립민속박물관, 광주
1993 서경 갤러리 개관기념 초대전, 서울
1992 지역미술의 상황전, 경인미술관, 서울
1991 전국 시·도 미술대전 수상작가展, 문예진흥원미술회관
1991 그룹 새벽 창립전, 인재미술관, 광주
1991 대전 트리엔날레, 대전시민회관, 대전
1991 오늘의 지역작가전, 금호 미술관, 서울
1990 한국 현대회화의 오늘展, 독일, 폴란드
1990 한국현대회화의 오늘전, 로호 갤러리, 베를린, 독일, 티투루 미술관, 브로크로우, 폴란드.
1989 조선대학교 미술대학 동문전, 남봉미술관, 광주
1988 영호남 미술교류전, 남도예술회관, 대구문화회관
1987 오늘을 위한 작업전, 인재 미술관, 광주
1986 전국 무등미술대전, 남도예술회관, 광주
1985 지금.이곳, 젊음 8인 초대전, 다리 갤러리, 광주
1985 목우회전, 덕수궁, 서울
1984 대한민국 미술대전, 국립 현대미술관, 서울
1978~1982 전라남도 미술전람회, 학생회관, 광주
학력 및 기타경력 Educational Carrier and other experiences
조선대학교 미술대학 겸임교수 역임, Exprofessor of art at Chosun University.
현재 2013년부터 운주사 천불천탑 작업과 전국의 石佛작업
Since 2013, the Painting works of the Cheonbulcheontop in Unjusa Temple and the nationwide stone Buddhas.
화실주소: 광주광역시 남구 원효천2길 8 (송하동)
H.P: 010-2611-3333
Explanation of Hwang Sun-chil’s Painting
The Thousands Buddha Pagodas make us realize the unfinished beauty
Chan-ju Jeong (Novelist)
There is an artist who has a year-end concert and calligraphy exhibition in which the artist himself plays the piano in a private studio. Playing the piano is a skill that was mastered by self-learning after being taught the basics by a master. Is it because of the long fingers? He plays the piano keys with great strength and is bold and skilled in brush stroke. In particular, when he was in high school, he clearly defined the basics of calligraphy in the calligraphy room, and then mastered Jingyeong An, Yangsoon Gu, Heeji Wang and Sudongpo writing method by himself. At one time, he used to write a type of Chinese character typeface which is called Ryeseo, Jeon-seo, Haengcho-seo, and Choseo typeface. Artist Hwang Sun-chil is an artist like this. Hwang Sun-chil says.
“Calligraphy is my teacher every day. It calms me down and brings me to good (禪), meditation, and selfless in the midst of calmness. Calligraphy is the foundation of my painting and philosophy. It is a genre of my art. Therefore, I draw after I do calligraphy (Dec. 26, 2024).”
It has great implications in that the artist himself confesses the correlation between calligraphy and painting. The Sushi, Sudongpo of the Southern Song Dynasty saw the paintings and poems of Wang Wei (王維) and left the following reviews: “시중유화 (詩中有畵) 화중유시(畵中有詩).”
It means that there is a picture in the poem and a poem in the painting. This is a quote that intellectuals quote when appreciating Namjonghwa. However, In the case of artist Hwang Soon-chil, I would like to revise the above phrase to ‘서예중유화(書藝中有畵) 화중유서예(畵中有書藝).’
It means that there is a painting in calligraphy and there is calligraphy in the painting. As Hwang confesses, calligraphy is the philosophy of one’s own painting, and since he draws after doing calligraphy, my above sentence will never be an exaggeration. However, I do not think I can clearly and accurately reveal the correlation between calligraphy and painting in Hwang’s painting because painting is an expression of inspiration or a work that varies the actual images. Perhaps the work is the realm of the soul that only the artist himself knows. However, I think anyone can see the characteristics that have been revealed, such as the touch and brushwork of the brush.
Painter Hwang’s brush touches and brush strokes are as skillful as a stroke of calligraphy. They must have resulted from the practice of calligraphy. Among the calligraphy techniques, there are Chomuk technic, which is coated heavily on the brush to express the light and shade with speed, and Galpil technic, which is coated lightly on the brush to give a dry and rough feeling, and Hwang himself once said, “I enjoy Choseo.”
“The Choseo is very free-spirited and fantastic and dramatic just like a dancer dancing beautifully, as a bird flies freely in the sky, as a fish bounces over the water.”
Considering that he has been painting, playing the piano and doing calligraphy, Hwang is considered to be a very unique artist who has devoted himself to the artist career with the joy of calligraphy and painting, which are rare in the Korean art world (畫壇).
Moreover, Hwang studied Oriental painting at the Yeonjinhoe Art Center opened by Baekryeon Heo and then entered Chosun University to learn Western painting. Therefore, his paintings contain techniques from the East and the West. Hwang’s paintings caught our attention with brush strokes reminiscent of calligraphy in the series “Goindol Village” exhibited at the “Euijeong Art Center” in Seoul on 1996.
It was also confirmed in a private exhibition held at the Namdo Art Museum in Gwangju on 2003, when calligraphy works written with an elegant name (雅號) called Veco (bald head) were displayed together. It introduced the “Bull” series, which reminds of the stroke of Chomuk technique using strong ink to draw at once, the “Goindol Village” series, and the “Pear Flower” series, which revealed the texture in writing, and in the same year (2003), the “Gwangju Shinsegae Gallery” showed the world of artist Hwang’s work as if the subjects were breathing down works that were revealed by centrifugal force by color. It is also true that after the “Pear Flower” series, he has constantly drawn “Gobulmae”, “Hwaeommae”, and “Waryongmae”, which are likely to smell plum blossoms in paintings. Hwang Soon-chil reveals this change in the “Field Work Memo”, but my opinion does not seem to be too far off.
“My field work has been a long time. These are the examples of the 1980s “Urban and Rural Area”, the 90s “Bull”, the 95s “Goindol Village”, the 2000s “Pear Flower”, and the 2010s “Maehwa” and “Unjusa Cheonbulcheontop”. They are all field work. “I left home at 3 a.m. to work on <Bull> and sketched a famous cattle market in North Jeolla Province. I left the city and traveled around Jeolla-do to draw my mother’s land. At this time, I found a Goindol village. Our nationality is dominated by bulls, who are persistent and tenacious, and the Dolmen Village represents the spirit of community, and the pear flower represents the national spirit of the people of white clothes, that is Koreans. I have painted plum flowers since 2012 (Dawn on May 21, 2014).”
Artist Hwang Soon-chil also reveals his motivation for painting the Cheonbulcheontop in Unjusa Temple in the ‘On-Site Work Memo’.
“While I was drawing a Deoksumae (獨守梅, The noble plum) on the south side of Damyang from March 4 to mid-April 2013, I suddenly thought of the Unjusa jar pagoda during my break time. I thought of the unexpected jar pagoda. It occurred to me when I thought of the prayers and wishes of our ancestors for their children and future generations.”
The paintings of the Cheonbulcheontop in Unjusa Temple, which will be exhibited at the Gwangju Jeonnam Gallery in Insadong, Seoul from May 21 to 27, 2025, do not seem to deviate much from the series of “Goindol Village”, which was reminiscent of calligraphy. At first glance, it seems to have evolved more in an extension line.
However, the characteristics of the works displayed this time are that the texture of the crumpled stone was more emphasized than that of the previous “Goindol Village” by boldly using the knife technique as if the hands of the earth were making beauty, and it seems that Hwang’s philosophy of communicating with the object was embodied. He painted paintings such as the stone Buddha at Unjusa Temple and the pagoda hundreds of times with a knife to increase the completeness of the work for more than five years. This is because he believed that the aesthetic sense of achievement was proportional to the completeness of the work. Of course, this willingness of not coming back from a war is not the attitude of artist Hwang alone. It is an attitude that cannot be hidden by passionate artists.
Surprisingly, however, Hwang at some point abandons his will-burning. Instead, he discovers unfinished beauty in the state of nothingness in meditation and captures it in a canvas. Finding unfinished beauty is an enlightenment given only to painters who crossed the threshold of completion countless times. In fact, it is correct to say that all beings in this world have beauty in themselves, whether they are completed or incomplete. However, the self-awareness of Bul-i (不二) that penetrates the two values is not an awareness given to everyone. This is because, just as Seon-seung (禪僧) breaks down the topic, the mind eye opening (開眼), that is, the state of the eyes open only after emptying out all prejudice, prejudice, and conventional wisdom. given to everyone. This is because, just as Seon-seung breaks down the topic, the optical opening, that is, the state of the eyes open only after emptying out all prejudice, prejudice, and conventional wisdom.
Painter Hwang’s facing with the stone Buddhas at Unjusa Temple is quite fateful. When he stopped by Unjusa in the spring of 2013 to paint the jar pagoda in watercolor and then went to draw one more, he was forced to recall the wounds of Gwangju 5.18 finding a stone Buddhas with his neck cut off. Painter Hwang received comfort by capturing the stone Buddhas on a canvas and embracing the wounds of 5.18.
Let’s look at ‘On-Site Work Memo’ of artist Hwang again.
“On April 14, 2013, I visited Unjusa Temple and started to paint the jar pogoda. After working with charcoal on 40 size paper, I drew it with watercolors for about a month. The praying monk said, “The painter’s sincerity (精誠) is amazing. Our prayers are all with sincerity.”
The second painting was an oil painting 50 size canvas with a decapitated stone Buddha. It was a painting of Buddha with only a part of the left side of the neck attached to it. Among the numerous stone Buddhas, the second choice was the massacre of the people during the May 18th period in Gwangju and our perception of history. The hardships and wounds of the people, including screaming and hardness seemed to be in the body that was cut off.
The third one was a silly stone Buddha. The fool was me. It was our portrait. His face was dented and broken, and his nose was all there was left, so his features were crushed and his face became a fool. A fool who didn’t protect himself well... I drew me.
The fourth picture was a lying Buddha. It contains the earnest aspiration of the poor and ignorant people. I climbed the mountain several times and thought to myself when I saw the fire. How was this big rock statue going to stand up? I guess it was just a myth made up... But one day, when I climbed the mountain again and took a closer look, it was true that he was trying to build a Wabul. He painted a buldu, which is evidence of this. (ellipsis)
I drew a jar pagoda and was about to finish it, but I started to see one by one. I couldn’t miss one of the things from Unjusa Temple. Interestingly, the stone pagoda’s material was similar to that of Matière in the Goindol village painting. Bright and vivid mugwort (light emerald color), reddish-brown color, and rough volcanic tuff were warm and I didn’t get tired of them. A stone Buddha from a thousand years ago turned out to be a human today. Stone Buddhas are humans (Dawn of May 21, 2014)
In this way, the relationship with unfinished human stone Buddha continued for over a decade, and the work of drawing the Cheonbulcheontop in Unjusa Temple became fate. In autumn, artist Hwang, who values field work, ran crazy to Unjusa Temple and had a fierce winter with a sharp wind. From the fall of impermanence when leaves fall to the middle of a blizzard, the stone Buddha and the artist Hwang became one body and the same body. Perhaps that is why when I look at artist Hwang’s winter landscape work at Unjusa Temple, I think a blizzard will appear out of the picture and swirl. All the works of the Cheonbulcheontop in Unjusa Temple on display this time are the fateful results of artist Hwang. The stone Buddhas at Unjusa Temple, which were more holy and beautiful because they were incomplete, must have sucked Hwang into it like a black hole. These are the series of “Ipseokbul”, “Wabul”, “Jwabul”, “Gamsilbul”, and “Top” drawn in the Unjusa compound.
Anyone who has visited Unjusa Temple at least once will realize it. It is a 20-minute drive from Eubuljae where I live to Unjusa Temple. In the past, I used to go there sometimes in late fall. Dozens of pagodas and Buddha statues have different facial expressions drew attention. They could not have been the same shape because the story of their birth was different. Every single fallen leaf in the foot was different in color and size. Unlike humans, nature does not allow reproduction and gives personality to all organic and inorganic objects.
Standing at the foot of the mountain on the right side of Iljumun, Unjusa Temple, the shabby pagoda was like a wandering wanderer. The villagers called it the ‘Beggar Pagoda’ because it was tattered with gat-like Okgaeseok. The unfinished pagoda was obvious. However, in Unjusa, under-cut pagodas and Buddha statues were being treated. It was the reason that supported the world. Because it was incomplete, it would be completed. Nevertheless, people didn’t seem to know the importance of unfinished business.
Beyond appreciating Hwang’s Unjusa Cheonbulcheontop Pagoda, I hope everyone will realize that ‘This stone Buddha is me” like Hwang. In fact, most people in the world are also full of wounds in their souls. If you look at the unfinished pagoda painting, the viewer becomes an unfinished pagoda, and if you look at the unfinished stone Buddha, you are unfinished. If you look at the unfinished pagoda painting, I hope that the viewer will become an unfinished pagoda, and if you look at the unfinished stone Buddha, you will become an unfinished stone Buddha. Since the paintings of the Cheonbulcheontop are human and beautiful, I believe they will be comfortable without any sense of heterogeneity. Look indifferently at the stone Buddha of Unjusa Temple by Hwang’s painting. The stone Buddha will be seen as ‘I’ and ‘we’, the good men and women. You will see the identity of Koreans. Yes. It is correct to say that the artist Hwang, who expressed the identity of Koreans, has achieved globality as a local artist living in Namdo. The proposition ‘the most Korean thing is the most global thing’ is the evidence.
As a senior artist in his life, I gave him a title called Gotham (古潭). Hwang was very embarrassed, but he accepted it when I suggested that it was okay because he was over 70 years old. The artist’s spirit, which has passed Gohee, must be that he has been working recklessly and desperately in the art career without taking a break. When he was drawing the masterpiece of 1,000 size canvas, I saw him work on a ladder, and his passionate attitude used to move me before his paintings. Now that I think about it, I think it is time for the sky to be moved by Hwang’s attitude and sincerity. I’m sure it will. Regardless of who knows or not, if heaven knows and earth knows, he will be a chosen and blessed artist.
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